El grupo Pachacámac y su nuevo paradigma de hacer música

El grupo Pachacámac dignifica el legado de los Incas o peruanos de ayer, hoy y del mañana.

Entres sus programas culturales de la Casa de la Literatura Peruana, no solo es lectura o libros, sino también música y poesía. Y, en esta oportunidad la que encajaba perfectamente a este fin, fue Pachacámac para el 'concierto de música peruana ancestral y contemporánea'. El público tuvo la oportunidad de enriquecerse y nutrir el espíritu con las canciones producidas con más de 5 decenas (tienen mucho mas) de instrumentos durante una hora y media completamente gratuito en la noche del sábado 16 abril 2016. 

El cuarteto Pachacámac. 16/04/2016.

El tipo de música que crean, interpretan, investigan y componen los miembros del grupo Pachacámacen su gran parte es aquel que esta íntimamente ligado a la historia pre Inca, Inca y al periodo actual. Mucho más que hacer "música andina de proyección" desde mi perspectiva, lo que hace en realidadPachacámac es "música Tahuantinsuyana" principalmente. Tahuantinsuya porque no solo se hace uso de instrumentos ancestrales o milenarios de los pre Incas e Incas, sino también por la atmósfera que envuelve a Pachacámac, es aquella que se transmite en oposición a lo que el filósofo C. Godin lo describe bien en su libroLa haine de la nature(traducción literal: El Odio a la Naturaleza. Leer:la entrevista a Sylvia Falcón); es decir la transmisión de la filosofía de la gran civilización de los Incas.

Pachacámac con un nuevo paradigma de hacer música

Escuchar las melodías o los sonidos convertidos en música con la Tinya, el bombo andino, la cortina de caracoles, las conchas marinas, las semillas, las sonajas, los raspadores de mate, los palos de agua, las vainas de semillas, las piedras, las Quenas y Quenillas Incas, trompetas de caracol marino (Pututo), los Pinkuylos, las Tarqas, el Quenacho, la mamaquena de caña, silbatos de barros, las Antaras, la vasija silbadora de cerámica de las culturas Moche, Vicus y Chimú, etc. Y, adicionados las letras; es como hacer un dialogo con lo invisible, con la naturaleza, con la historia; es ir hacia las raíces de las montañas de lo que hoy es América (Perú, Bolivia, Ecuador, Argentina, Chile, etc.). 

Algunos instrumentos de Pachacámac. 16/04/2016.

La música de Pachacámac, frente a una vasta (pero muy poca propuesta mejorada y trabajada) producción de otros grupos o artistas, invita repensar en la forma de hacer música. La propuesta de Pachacámac pone en vitrina muchos instrumentos que hoy en día los músicos comerciales probablemente ignoran. El trabajo de Pachacámac, es lo que hacía mucha falta. Su presencia en el ámbito musical definitivamente dignifica y poner en la vitrina el legado de los Incas de ayer, hoy y del mañana para seguir avanzando de manera positiva como una sociedad con identidad en este mundo globalizado. Con todo esto, Pachacámac tiene un nuevo paradigma de hacer música.

Si ustedes estimados lectores tiene la oportunidad de ir a ver el espectáculo de Pachacámac, no dude en hacerlo y, si es en familia o con amigos, mejor aún. Usted tendrá la oportunidad de escuchar los instrumentos de los Incas de ayer y hoy. También usted aprenderá un poco más de lo que no se dice en la historia oficial sobre los peruanos. 

Y, si al final del concierto usted quiere llevarse un recuerdo con los miembros del grupo, no desespere; ellos son muy accesibles y se acercan a su público. Ustedes pueden intercambiar algunas palabras, tomarse fotos con el grupo, pedirle algún autógrafo discográfico (ya tienen 3 discos: El Hombre de Lauricocha, De la Ciudad a las Huacas y Qollana). Y, si uno no puede ir a sus presentaciones, pero desea colaborar con ellos, lo puede hacer adquiriendo sus discos.

El digipack del disco Qollana. 

Muchas gracias y felicitaciones a los integrantes de Pachacámac (Hernán Caro Leopoldo, Giovanna Ramos, Alex Acuña, Manuel Nivin) por haber regalado un espectáculo digno y sofisticado.  También los agradecimientos a la Casa de la Literatura Peruana por promover cultura y conocimiento al pueblo peruano.

* Espacios o redes en el Internet para seguir la actualidad del grupo Pachacámac:

Blog: http://pachacamacgrupo.blogspot.pe/ 

Instagram: https://www.instagram.com/pachacamac_grupo/

Myspace: https://myspace.com/pachacamacgrupo/music/songs 

Youtube: www.youtube.com/user/PachacamacGrupo/videos 

Facebook: www.facebook.com/pages/PACHACAMAC/219143588121198

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Entrevista - Sylvia Falcón: "Siempre la tradición es lo más dinámico y renovado que existe; porque todos los años se crea"

Tener la “sensibilidad” desde muy temprana edad para poder “encaminar a través de la música” lo que produce constantemente “nuestros pueblos”, es la garantía de poder existir y marcar la diferencia frente a los otros. Estar comprometido para defender “la estética andina”, es “vital” e imperativo para poder optar por una ruta mucho más interesante, antes de tomar lo artificial, y la uniformización de la cultura sin espíritu.

Sylvia Falcón : Foto : www.sylviafalcon.com

En la diversidad cultural donde existe una historia, una vida, un territorio, una lengua, etc. radica la riqueza milenaria de una nación o pueblo. La “creación nacional con raíces en las primeras civilizaciones”; es la fuerza más poderosa y autentica de un pueblo con la cual es mucho más fácil tener propósitos que te van a llegar a ser o estar entre los mejores. Lo importante en uno, está en conocerse a uno mismo y, a partir de allí, construir grandezas.

Las producciones tradicionales son los “más dinámicos y renovados que existe” y, eso es la razón por la cual siguen vivos los pueblos de los Andes y otras regiones del antiguo Tahuantinsuyo. A todo eso, solo queda continuar produciendo y cada vez de mejor calidad, sin tener que caer el al tentación frívola del facilismo.

La cantante y antropóloga peruana o Inca, nos da sus reflexiones a cerca de su trabajo con la música. Una forma de contribuir en la preservación de la riqueza dejada por los Incas; los hermanos mayores de los peruanos de hoy.  

Logophilo (LP): En el Perú y otros lugares aún existe un público que no le conoce. Entonces, ¿Podría presentarse usted ante ellos?

Sí, soy Sylvia Falcón (SF), cantante de música andina tradicional y lírica. También soy antropóloga e investigadora sobre nuestra música y cultura andina.

LP: Para hacerle entender mejor  al público con lo de lírica o soprano… ¿Qué es “soprano de coloratura”?

SF: Es un término muy occidental de clasificación de la voz. Dentro de la clasificación clásica de las voces están los tenores, los barítonos, los sopranos, los mezzosopranos. Y, una voz peculiar, como la mía, está considerada dentro de las voces de una soprano. Pero, ¿por qué es coloratura? Porque en el agudo puedo hacer mucho más acrobacias. 

LP: Ahora muchos se estarán preguntando dónde puedo estudiar “soprano de coloratura”, ¿Qué les diría usted?

SF: Bueno, yo soy una soprano natural, es decir, tengo una voz natural que está dentro de la clasificación de voces; nada más. No soy una cantante de conservatorio. No estudié canto clásico. Soy Antropóloga de profesión. Entonces, solo he cultivado la voz natural que tengo como soprano. 

Para estudiar canto de coloratura clásico, para ser un experto o para ser una persona que quiere hacer una carrera dentro de la música lírica convencional, hay que ir al conservatorio. Pero eso, no quiere decir que yo no pueda ir al conservatorio y seguir cantando música lírica andina. Claro que se puede ir ahí. Pero en mi caso, a la voz natural que tenía, lo único que hice es ejercitarla con clases de impostación, con clases de técnica. Nada más. No tengo una experiencia en canto clásico, y no soy cantante clásico.

LP: Usted estudio Antropología en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, la Decana de América. ¿El haber pasado por las aulas, por los libros, etc. a usted le sirvió o le ayudó a encontrarse mejor consigo misma?

SF: Yo creo que sí. Porque yo he viajado mucho por el Perú; por muchos pueblos aparte de los de mis padres que los conozco bien. Desde muy joven he tenido la sensibilidad para poder encaminar a través de la música las cosas que hay en nuestros pueblos. 

"Desde muy joven he tenido la sensibilidad para poder encaminar a través de la música las cosas que hay en nuestros pueblos"

Mi pasión por la música, la antropología me ha ayudado mucho para entender mucho más y para poder explicarlo mejor. Porque uno puede cantar, pero no puede explicarlo. A veces el arte no necesita que te lo expliquen, pero a veces sí. El de por qué uno defiende un concepto, la estética andina tal cual lo tengo presente; eso es vital y vale la pena poder escribirlo y explicarlo.

LP: En el resumen de su biografía que está en su página web [1], encontramos que usted en la actualidad es una de las “voces más bellas del Perú y del mundo andino”. Entonces ¿para usted este “mundo andino” solo se enmarca en este espacio geográfico de los Andes o cómo lo define el “mundo andino”?

SF: En general, el mundo andino no solo está en el Perú, sino hermana a varios países… Es porque compartimos muchas cosas en común. Hay muchas cosas grandes en todo nuestro universo andino.  Y, digo “mundo andino”, porque compartimos una misma forma de pensar, una lógica territorial; es por eso que lo digo.

LP: Para escribir sus canciones, quizá usted se sirve de la literatura, de los viajes, ¿Dónde encuentra sus fuentes de inspiración?

SF: Es mucho en lo que he vivido siempre. Entonces creo que la inspiración esta siempre dentro de uno, no hay un momentos específicos donde uno diga quiero hacer una canción de esto. A veces si pasa y a veces no. A veces es una combinación de cosas, combinación de sentimientos que uno tiene en algún momento y, de pronto aflora eso.

Yo siento que he estado inspirada toda mi vida. Como he vivido tantas cosas en los viajes, con mi familia, con mis amigos, conociendo nuevas personas que te enseñan más cosas sobre lo que uno adora tanto; que es la tradición. Entonces creo que la inspiración está constantemente allí. Y, lo poco que yo he hecho como compositora, arreglista, musicalizadora, recopiladora; sí viene de allí. Fluye desde el lado más inquieto mío por la tradición.

LP: Usted ya tiene algunos discos propios, ¿Podría decirnos que músicos, compositores, grupos o cantantes le influenciaron?  

SF: En los dos discos, los trabajé con el maestro Kirwayo. Para mí, el maestro Daniel Kirwayo, guitarrista de ascendencia ayacuchana, igual que yo, es uno de los guitarras más importantes del mundo andino…. Y, trabajar con él me enseñó mucho. Lo admiro mucho y lo seguiré admirando. Seguiré sacando a flote todo su trabajo, su obra.

"Hay grandes voces en los Andes. Admiro mucho a Nelly Munguía que nos dejo un valioso trabajo, lo he escuchado desde muy niña a ella; al maestro Manuel Silva, a Manuelcha Prado, al maestro García Zárate, a las voces descomunales como Ima Sumac, el trabajo de Moisés Vivanco"

Además de él, hay grandes voces en los Andes. Admiro mucho a Nelly Munguía que nos dejo un valioso trabajo, lo he escuchado desde muy niña a ella; al maestro Manuel Silva, a Manuelcha Prado, al maestro García Zárate, a las voces descomunales como Ima Sumac, el trabajo de Moisés Vivanco; ya como una especie de transición entre la tradición hacia lo contemporáneo. Hay muchos nombres ahí. Sobre todo estos grandes que trabajaron tanto por la música.

LP: Según usted, ¿Que grupos no han perdido la esencia y singularidad de la melodía de los Andes?

SF: No sabría decirle si han perdido o no, si al principio hacían una cosa y luego otra; porque no he seguido mucho a los grupos contemporáneos. Pero lo que sí puedo decirle, es que cada uno ha dado su versión de cómo entiende el mundo andino, cada uno tiene su forma de vivir su ser andino a través del arte. 

Y, si son o no fieles a la tradición, si son o no personas que quieren conservarla, respetarla o han creado otros estilos; también es válido. Porque el arte, finalmente permite todo eso. Yo creo que eso ya pasa al otro tema de los gustos. Los músicos y los artistas podemos decir muchas cosas…

"Cada uno [los artistas o grupos] ha dado su versión de cómo entiende el mundo andino, cada uno tiene su forma de vivir su ser andino a través del arte"

Ahora con lo que sí yo no estoy de acuerdo, es que por ejemplo se quiere decir que esto es la música del Perú, esto es la música tradicional, cuando en realidad lo tradicional ni siquiera nosotros los artistas que la reinterpretamos nos podemos dar el lujo de decirlo. Yo no me atrevería a eso. Yo digo la música tradicional está en mi pueblo, los que lo siguen cantando nuestros paisanos y siguen creando música tradicional. Tiene su territorio, tiene su vida, su historia. Yo y todos nosotros nos inspiramos y seguimos la tradición. Pero la esencia de lo que se crea está en nuestros pueblos, no está en los escenarios muchas veces.

"Yo digo la música tradicional está en mi pueblo, los que lo siguen cantando nuestros paisanos y siguen creando música tradicional. Tiene su territorio, tiene su vida, su historia. Yo y todos nosotros nos inspiramos y seguimos la tradición. Pero la esencia de lo que se crea está en nuestros pueblos, no está en los escenarios muchas veces"

LP: El Antropólogo David Yetman, en su reportaje: "Perú - Los hombres del Altiplano"[2] cuando llegó a Ayacucho dijo: “Aquí la gente habla mucho más el quechua que el español. Es muy agradable. El quechua es una lengua de música”. ¿Qué opina de esto?

SF: Estoy completamente de acuerdo con él. El quechua aparte de tener una conexión muy intensa con la naturaleza, tiene una musicalidad propia. 

Tiene inexplicablemente una forma tan ligada a comprender, a ser arte, a ser música, a ser parte de una melodía…. El quechua no necesita agregarle alguna melodía o ponerle letras… El quechua habla por sí solo. 

Hasta ahora sigo escuchando frecuentemente carnavales parinacochanos, donde todas las letras están en quechua. Pero es un quechua  tejido de una manera tan original, tan linda, tan bien hecha.... Entonces, yo sí creo que el quechua tiene una propia musicalidad. Además, no es en vano que haya sido el idioma de una vasta civilización, no es en vano que haya sido una lengua franca de todo un sistema de comunicación tan eficiente como fue nuestro país antiguamente.

"El quechua, no es en vano que haya sido el idioma de una vasta civilización, no es en vano que haya sido una lengua franca de todo un sistema de comunicación tan eficiente como fue nuestro país antiguamente"

LP: Usted mencionó a algunos artistas hace unos instantes, entonces déjame mencionarlos otra vez y a algunos otros como Yma Sumac, Los Kjarkas, Proyección, Los hermanos Gaitán Castro, William Luna, Alborada, Wayanay, Inti Illimani, Yolanda Pinares, Saywa, Manuelcha Prado, Quilapayun, Kalamarka etc. Muchos de ellos cantan en quechua, aymara y en  otras lenguas. Independientemente al país al que hoy pertenecen, cada uno de ellos, en lo intrínseco, está algo en común en ellos; son las melodías o “la música del Tahuantinsuyo”, digno de respeto como la música de usted ¿Qué transmite esta música? ¿A qué o a quién se hace elogio? ¿A la naturaleza, al amor, a la amistad…?

SF: ¡A todo! la vida está compuesto de todo los sentires, hasta el desamor o cuando perdemos a alguien. La música, sobre todo la música tradicional, está vinculada a todo tipo de actividad humana. 

Desde que uno nace, hay cántico; en el corte de pelo, hay cántico; cuando uno va a techar su casa, hay cántico; cuando uno va a sembrar, hay cántico. Cuando uno va a cualquier actividad que uno pueda imaginarse, incluso en el recreo que es para disfrutar; también hay música. Y, los huaynos nos hablan de todos los estadíos de la vida…. Y, generalmente los grandes artistas, la mayoría de ellos han cantado canciones originales dedicadas al amor, a la naturaleza, al desamor, al mundo contemporáneo. La tradición también le canta a todo eso….

"los grandes artistas han cantado canciones originales dedicadas al amor, a la naturaleza, al desamor, al mundo contemporáneo. La tradición también le canta a todo eso"

LP: Hablando de naturaleza, Christian Godin, un Filosofo francés en su libro “La haine de la nature”(El odio a la naturaleza) [3], dice: « La naturaleza no figura prácticamente más en nuestra esfera simbólica. Ella no hace más reaccionar, ni querer, ni soñar. Albert Camus ha observado que en la literatura europea no describe más el paisaje después de Dostoievski”. Y, esto se refleja hasta en la música, en el cine que promueve occidente. No vemos ni escuchamos algo que pueda verdaderamente hacernos disfrutar a plenitud, salvo raras excepciones. Sin embargo, en la “música del Tahuantinsuyo”, muchos grupos, artistas e incluso el ciudadano en general seguimos agradeciendo a la naturaleza, a la pacha mama, a los astros, a las plantas, a los ríos, a los animales, etc. No hay nada más digno de cantarle a los entes vivos que están a nuestro alrededor. Entonces, ¿Cuál es su percepción sobre estas dos visiones del mundo completamente diferentes; uno habla de respeto y amor a la naturaleza, el otro todo lo contrario?  

SF: Yo creo que, por eso, las estadísticas a nivel mundial, a pesar de todo lo que dicen que somos; atrasados, etc. ¡somos más felices! [En el Perú, Huancayo es el lugar donde la gente vive más feliz que el resto [4], ndlr]. 

Esa herencia que nosotros hemos podido conservar todavía de alguna u otra manera vienen de nuestros ancestros, de ese amor desmedido por la naturaleza. Pero, ¿Por qué la naturaleza? ¿Por qué los astros? ¿Por qué el Sol, la Luna? Porque sin ellos no existe vida. Sin el agua, sin el viento, etc., sin ellos no existe absolutamente nada. Y el canto a estos seres extraordinarios que hace que nosotros podemos seguir en esta existencia. Hoy en día no me parece descabellado y, no me parece descabellado que haya sido en el tiempo en que nos han enseñado a quererlos.

Ellos (los occidentales) se alejan de la naturaleza, que creen que hacen lo mejor. Simplemente, va a un círculo vicioso… Pero aquí estamos engrandeciendo a partir de la música y todo el espíritu. El espíritu ligado a nuestros entorno a apreciar, a respetar, a querer hasta lo que nos es difícil de entender. Eso es lo que nosotros proponemos siempre, porque nos han enseñado así nuestros abuelos.

"Aquí estamos engrandeciendo a partir de la música y todo el espíritu. El espíritu ligado a nuestros entorno a apreciar, a respetar, a querer hasta lo que nos es difícil de entender"

LP: En el Perú, hasta los años 80 era muy fácil encontrar buenos artistas que con su melodía te hacían sentir en el paraíso. Y, desde los años 90; desde mi perspectiva empieza la decadencia y durante toda la década del 2000 es la catástrofe total. No hubo producción ni artística, ni musicalmente. Tampoco hubo nuevas composiciones nuevas letras que merecía un digno reconocimiento, salvo pocas excepciones que no cayeron en la vulgaridad. En ese contexto, salieron los autos proclamados “artistas” muy mediatizados, que redujeron al Huayno, al Huaylas y toda la diversidad de géneros musicales de todo el Perú a un patético espectáculo nocturno deprimente, extremadamente vulgar y perverso; donde se hace elogio a la cerveza, a la vulgaridad, etc., donde se canta menos y se habla demasiado. Eso es una estafa a nivel de presentaciones en los escenarios. No solo eso, sino también ya no existe un conjunto de músicos, sino una consola ya programa para producir sonidos, donde ya no vemos más a las guitarras, quenas, zampoñas, flautas, harpas, saxos, violines, etc. ¿Qué opina de todo esto?

SF: Esto contesta ya a un entorno global. No solo pasa en nuestro país. El avance de las nuevas tecnologías, las nuevas formas de hacer música, las nuevas maneras de expresar han afectado seriamente en varios aspectos. El facilismo también creo que esta por ahí. 

Antes, el arte te exigía un poco más para poder pensar, para poder comprometerte, para poder crear. Era un compromiso distinto, porque antes los artistas no solo estaban pensando en los honorarios o en llegar a más gente; sino simplemente estaban pensando en retribuir muy bien por el don que se les había dado para poder compartirlo con los demás. Yo siento que eso era el principal cometido de muchos artistas que pasaron a la historia de una forma contundente. 

"Antes, el arte te exigía un poco más para poder pensar, para poder comprometerte, para poder crear. Era un compromiso distinto"

Hoy en día, creemos que todo se hace de la noche a la mañana y debería ser más fácil, para uno, para ser famoso en estos momentos, solo necesitas un par de escándalos. Como dijo usted solo se necesitan una canción que canta al alcohol y a uno hacen seguir mucha gente. Eso es muy fácil. 

El facilismo que impera en nuestras sociedades es la que ha llevado poco a poco también a que el arte tenga esa noción facilista. Lamentablemente, así es como está la sociedad. No hay una especie de movimiento que se pueda hacer para cambiar las cosas. Creo que los esfuerzos están muy atomizados. 

Hay gente que si se toma realmente muy en serio el ser artista y el ser artístico. Trabaja mucho y lo plasma su obra. Otros simplemente no se preocupan. No les importa la música, ni los músicos, no les importa el traje, no les importa cómo presentas el disco, etc. Lo importante es que salga en tal o cual programa y que me haga famosa…. No está mal; pero creo que hay opciones de crear un arte más serio, eso es lo que yo considero que le debemos a nuestra tradición, porque no estamos hablando de música Pop, no estamos hablando del Rock, no estamos hablando de música contemporánea; estamos hablando de música que está ligada a nuestra música ancestral, tradicional de nuestros pueblos, de nuestra cultura viva. Entonces yo creo que ahí si hay un deslinde. Hay una ruptura que se hace, pero lamentablemente no podemos aleccionar. ¿Quiénes somos nosotros para aleccionar a los artistas que están en toda la vanguardia de su éxito? 

LP: Y la palabra tradicional no debe ser entendido como algo del pasado, sino mucho más que eso, del pasado, presente y del futuro y, hacer una especie de bandera por la cual todos deberían sentirse orgulloso. Enarbolar como símbolo de autenticidad, de dignidad, de riqueza...

SF: Lo ancestral es lo más dinámico que existe. Y, siempre la tradición es lo más dinámico y renovado que existe; porque todos los años se crea, todos los años se hace un canto nuevo del carnaval, un canto nuevo para cosechar,  etc. Se está creando constantemente. La tradición no es estática, no es un fósil que lo tenemos desde hace 500 o 1000 años. Esta constantemente ahí, pero el asunto es ¿cómo nos acercamos a ella? Podemos hablar de eso, podemos hablar de la música de hace 500, 50 años; pero también podemos hablar de las tradiciones en este momento de cualquiera de los pueblos, comunidades de nuestros país. Lo podemos encontrar en la actualidad, en estos momentos, en el siglo XXI [5].

"Siempre la tradición es lo más dinámico y renovado que existe; porque todos los años se crea"

LP: Hace unos días, el 22 de agosto se celebro el “día mundial del folklore” ¿Qué opina de eso?

SF: Yo siempre he tratado de alejarme mucho de la palabra folklore. Yo he estudiado antropología y lo he leído y lo he estudiado el término y de todo lo que implica estudiar científicamente el folklore como una materia de estudio. Pero para que esa palabra represente los saberes tradicionales, la ciencia y la tecnología de un pueblo, de una civilización; la verdad es que es muy mezquino tratar de reducir todo con la palabra folklore. El arte tal cual, donde hay música, belleza, etc.; siempre estuve en desacuerdo reducirlo a folklore. He escrito sobre eso [Hacia la desfolklorización de nuestro acervo, ndlr][6]. Hice un documento sobre el tema hace algunos años. Sigo manteniendo mi postura. ¡Lo folklórico ahora se ve como despectivo, como un adorno, como un armamento de un país; y no lo es!

Estamos hablando de algo que es mucho más fuerte y poderoso que un simple adorno. Probablemente, algunos lo ven así, que utilizan la imagen de nuestro país para vender lo que sea, cualquier cosa que lo pongan hecho en Perú o hecho en tal o cual comunidad, quizá para esas personas sí sigue siendo el Perú y la tradición del Perú, folklórico. 

"Creo que eso es un compromiso que tengo con mi música, con mi propuesta; porque necesitamos que la gente entienda que no es un discurso pintoresco, no es una pantalla; sino que esto es verdad, tiene historia, tiene tradición, tiene años, tiene muchos saberes, muchos conocimientos"

En realidad es ciencia, es arte de la más alta categoría. Creo que eso es un compromiso que tengo con mi música, con mi propuesta; porque necesitamos que la gente entienda que no es un discurso pintoresco, no es una pantalla; sino que esto es verdad, tiene historia, tiene tradición, tiene años, tiene muchos saberes, muchos conocimientos. Entonces, no es cualquier cosa. 

Lo folklórico, simplemente me parece bien tomarlo como una categoría y nada más. Pero después nosotros asumir que nuestros saberes se resumen en una palabra, ¡no creo!

LP: Entonces, tendríamos que buscar otro término para nombrar a la “creación nacional con raíces en las primeras civilizaciones”… Continuando... La injusticia también está presente aquí, es decir, si “las creaciones nacionales…”, es la “creación del pueblo”. Entonces, toda creación tiene un valor, hasta incluso valor comercial y es explotado por las empresas sin que el pueblo, “creadores de todo” perciban algún beneficio. Allí está la injusticia. Los empresarios y los artistas cobran precios muy elevados que uno del pueblo jamás podrá pagar una entrada, peor 2 o 4 para la familia. Y paradójicamente muchos artistas hablan contra la injusticia en sus canciones, pero son los que hacen pagar más a su público. Un artista (video y texto, aquí) le pareció injusto tener tarifas como si se tratase de ingresar al Titanic, es decir, precios en función de la ubicación. Los que tiene dinero pagan los mejores lugares, los que tienen un poco menos después y, así sucesivamente hasta que el pobre esté al final. Evidentemente, el artista buscó una productora con quien llegó al acuerdo para un precio único y, así fue. Mínimamente, el pueblo debe tener acceso a los espectáculos sin discriminación o al menos a precios reducidos. ¿Cómo es el asunto en el Perú, existen empresarios que se aprovechan del público?

SF: Es casi una cuestión de tendencia universal de querer mantener los estándares de los teatros. ¿Se puede hacer algo? Sí. Las producciones independientes pueden proponer algo. Pero los altos costos de producción realmente obligan a que uno tenga que vender por todas esa opciones, porque producir, por ejemplo, con una producción independiente; el costo de todo es exorbitante que a veces ni siquiera las entradas pueden cubrirlo. Entonces solamente alquilar un teatro o un espacio ya es mucho. Es verdad, sería muy interesante poder seguir hablando al respecto. Sin embargo, también además de eso hay otras opciones; como los centros culturales que si tienen a la mano eventos libres. Ya depende de cada artista.

Si un artista acepta las condiciones de un centro cultural, puede hasta dar conciertos libres. Yo hago eso. Un par de conciertos al año, en un escenario grande, donde le cuesta toda la producción a mi equipo y a mí. Así accedo a estos espacios como el viernes 21 de agosto que estuve en el auditorio del Centro Cultural Inca Garcilaso [del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú, ndlr], libre para la gente. Entonces se puede manejar. Simplemente, hay que tener las herramientas.

Es difícil al día de hoy, siento que acá todavía se sigue pagando como no pagan ni en Europa ni en Estados Unidos. Se necesita regulaciones que ya eso son cuestiones de política de Estado.

LP: Regresando a su trabajo en sí. Usted acaba de cantar en runa simi el himno nacional  de la tierra inca. ¿Usted ya había escuchado el himno en quechua, aymara o en otras lenguas anteriormente? 

SF: Sí los he escuchado, claro que sí….

LP: Y, ¿Cómo fue recibido por el público su nueva interpretación del himno nacional?

SF: ¡Muy bien! La verdad es que tuvimos mucho éxito en la difusión. Fue muy interesante. Es mérito de mi producción. El video se “viralizó” en todo el Perú. Lo vieron mucha gente, nos llamaron mucho. Todos estaban muy contentos. 

Fue algo interesante, porque creo que había como una especie de  necesidad urgida de tener algo así en nuestro idioma, así es que fue muy bueno.

LP: Usted colaboro en la película “La última princesa Inca” de la directora Ana De Orbegoso.  Aunque, en realidad, creo que toda mujer que se siente inca es princesa. No creo que exista una última, sino todo lo contrario; están naciendo cada día más…Pero bueno, es solo una película ¿A qué nivel fue su colaboración en esta película?

SF: Es un video-arte de unos 12 minutos. Me convocó Ana, que es mi gran amiga mía para poder cantar. La música lo hizo Pauchi Sasaki, y yo canté un par de temas para la película.

LP: Se viene el concierto de gala en el Gran Teatro Nacional,  el jueves 05 de Noviembre de este año, ¿Habrá alguna sorpresa, grupos invitados, qué nos espera esa noche?

SF: Vamos a hacer de tal manera que sea mucho más de lo que estábamos hablando al inicio. Estamos trabajando para que sea mucho más rico en música. Estoy convocando a los músicos con los que estoy trabajando y sigo trabajando. Y, para que sea más valioso, no tanto el espectáculo como “bombos y platillos”, con luces y humo, etc. sino realmente en la austeridad de lo que nuestra civilización ha creado y, en esa austeridad ver lo mágico y lo hermoso que puede ser las melodías y las interpretaciones.

"Yo apuesto mucho por la interpretación y alta calidad artístico-musical"

Yo apuesto mucho por la interpretación y alta calidad artístico-musical. Probablemente, vamos a tener algún invitado; estamos en conversaciones. Quizá va ser solamente el ensamble. Vamos a tener mucho repertorio por la cual viajar por muchas partes de nuestro país, no solamente los Andes….

LP: ¿Algún mensaje en especial para los peruanos que están fuera del Perú?

SF: Un saludo siempre fraterno a todos mis compatriotas de todo el mundo, porque creo que nos une un solo corazón que es el deber ya de ver al Perú, no segmentado por diferencias, sino por el concepto general que nos hermane. 

El Perú es tantas cosas a la vez, no solamente es Lima, no solo es Machu Picchu, no solo es Caral. Somos todo un bloque que hay que saber apreciarnos, conocernos. 

Creo que cuando uno está lejos también puede ver eso con mayor claridad que cuando uno está aquí; en el mismo lugar que solamente se territorializa a su pueblo, a su entorno. Creo que el Perú es más que eso y, sobre todo una gran proyección para demostrárselo al mundo. Eso creo que sería lindo que nuestros compatriotas puedan representarlo también.

Fuentes y notas:
[1] Página web: www.sylviafalcon.com y para conocer la actualidad, solo abonarse a sus cuentas oficiales en la redes sociales son:
Facebook : https://www.facebook.com/sylviafalcon.oficial
Twitter: https://twitter.com/Sylvia_Falcon
Youtube : https://www.youtube.com/channel/UCar-oQWfLlQZWg8r2y_9ddw
[2] Reportaje: Perú - Los hombres del Altiplano, 2011, url: http://ow.ly/OsSrc
[3] Christian Godin, La haine de la nature, Éditions Champ Vallon, 2012. p.8
[4] Huancayo: La capital de la felicidad en el Perú, url : https://www.youtube.com/watch?v=UF_58eU9fhk
[5] El modo de vida de los Quechuas e Incas en el siglo XXI (I) y (II)
[6] Sylvia Falcón, hacia la desfolklorización de nuestro acervo, mayo 2015,
url: http://www.sylviafalcon.com/articulo/hacia-la-desfolklorizacion-de-nuestro-acervo-sylvia-falcon/

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Entretien avec le groupe Nazca : "Nous ne voulons pas tenir de discours politique par notre musique, notre engagement est poétique seulement"

Les jeunes membres du groupe Nazca considérant que "les artistes français sont des énormes monuments de la chanson française, c’est donc difficile de s’y attaquer, et de se réapproprier le contenu de leurs chansons". Une petite ou grand frappe pour La Bande à Reneaud ? Mais, aussi, ils affirment "que chanter en français paraît un peu moins « vendeur » à première vue, quoique ce n’est pas toujours vrai, et le français revient un peu à la mode ces derniers temps. En fait il est compliqué de chanter en français sans être rattaché au cliché du petit groupe de variété française".

Le Groupe Nazca à Langres.

 Photo Nazca - 21 juin 2014

Voici l'intégral de l'interview pour Logophilo que le groupe a répondu avec une énorme gentillesse.

Tout d’abord, je souhaiterai que chacun d'entre vous nous me raconte un peu son parcours artistique avant la formation du groupe Nazca.  

Avant Nazca, nous n’avons pas eu énormément de projet. Marc et Juliette ont tous deux étudié la musique dans une harmonie municipale, ils faisaient respectivement de la batterie et de la trompette ! Pendant ce temps, Navid prenait des cours de piano classique depuis tout petit, alors qu’on ne le connaissait pas encore. Ensuite Marc a été batteur dans un groupe de funk au lycée,  Juliette et Zoé reprenaient des gospels et du bluegrass avec une troisième copine, et Navid pratiquait la musique traditionnelle iranienne avec différentes personnes de son entourage. C’est aussi le seul qui poursuit des études en musique avec l’université.

LP : Que pouvez-vous dire sur l’origine du nombre du groupe ?  Est-ce que il y a un rapport entre le nom du groupe et celle-ci de la civilisation Nazca (pré-Inca) ? Et pour quoi vous avez choisi ce nom assez mystérieux comme des lignes et géoglyphes de Nazca?

Nous avons voulu appeler notre groupe Nazca car c’est l’impératif du verbe naître, en espagnol, ce qui signifie « naissez ». Nous avons ensuite découvert la civilisation pré-Inca que nous ne connaissons pas bien, mais pour nous, Nazca, c’est un ordre de vie, ça veut dire que nous réalisons notre projet pour nous épanouir, et pour tenter de faire s’épanouir ceux qui nous écoutent.

Dans cet univers, quels musiciens ou groupes ont étés vos sources d'inspiration pour trouver une mélodie aussi particulière ?

Ce qui fait la particularité du groupe, c’est que nous sommes tous les 4 très différents, et nous avons des influences très variées. Marc, celui qui compose majoritairement, écoute pas mal de pop comme Keane, Lily Allen, ou de folk comme Jack Johnson, alors que Zoé est plutôt branchée nouvelle scène française électro avec La femme, Hyphen Hyphen, Navid lui écoute de la musique orientale et du Rap, et Juliette préfère les musiques atmosphériques à la Emily Loizeau ou Emir Kusturica. Il y a quand même des sources d’inspiration qui nous réunissent, comme First Aid Kit, The Dø, Yael Naïm…

La musique peut devenir un discours, un engagement, une substance, un acte de résistance, etc. Quel en est le message ?

Avec Nazca, nous ne voulons pas tenir de discours politique par notre musique, notre engagement est poétique seulement. Ce que nous racontons, c’est l’histoire d’une naissance, d’une éclosion à la vie par l’affirmation de soi et la musique, et nous invitons ceux qui nous entendent à s’ouvrir avec nous, quelles que soient leurs convictions politiques et leurs valeurs. Notre mot d’ordre est le rassemblement.

Nazca: Bye Bye Honey

Au sein du groupe, vous êtes tous les quatre français (à moins que je me trompe) donc vous n’avez de problème avec les nombreuses subtilités et la rigueur de la langue française. Alors, pourquoi avez-vous décidé de reprendre des chansons anglaises et pas de la variété française (Serge Lama, Édith Piaf, Léo Ferré, Charles Aznavour, Serge Gainsbourg, Indochine, etc.)?

Nous sommes tous les 4 français, mais Navid a la double nationalité franco-iranienne, et Zoé a vécu quelques temps en Angleterre. Nous avons fait une petite reprise de Anne Sylvestre, les gens qui doutent, qu’on peut trouver sur Youtube. Les artistes français que tu cites, ce sont des énormes monuments de la chanson française, c’est donc difficile de s’y attaquer, et de se réapproprier le contenu de leurs chansons. 

Faire une reprise, c’est un peu une histoire d’opportunité, d’occasion, d’idée soudaine. Nous avons repris Lana del Rey au moment où nous avons découvert son univers et qu’ils nous a paru possible de le frotter au nôtre. Pour les Spice Girls ou Destiny Child, c’était plutôt un clin d’œil rigolo aux groupes qui ont marqué notre enfance, un jour Marc a dit « hé ce serait marrant de reprendre ça » et on a essayé.

Nazca: Born to Die

Dans le milieu artistique français, est-il compliqué de chanter en français? Ne serait-il pas mieux de poser un acte de résistance en chantant en français face à la domination des États Unis d’Américaine tant en musique qu’au cinéma ?

C’est vrai que chanter en français paraît un peu moins « vendeur » à première vue, quoique ce n’est pas toujours vrai, et le français revient un peu à la mode ces derniers temps. En fait il est compliqué de chanter en français sans être rattaché au cliché du petit groupe de variété française. Pour nous, choisir une langue, c’est choisir des sonorités, des façons de raconter, et dans nos chansons, certaines se prêtent au français, d’autres à l’anglais, d’autres encore à l’espagnol. Nous ne voulons pas nous restreindre à une langue, mais explorer les possibilités sonores en fonction de ce qu’on veut dégager, et pourquoi pas même un jour chanter en perse puisque Navid le parle très bien !

Vous cherche de vous faire une place à l’étranger, en choisissant de chanter en anglais ?

C’est vrai que l’anglais semble plus international, et plus facilement commercial, mais des tas d’artistes dont Stromae nous l’ont montré, le français s’exporte très bien, tout est une question de qualité !

Nous allons parler désormais de votre production musicale. Le 31 mai 2013, vous avez sortie votre premier EP «Cowboys’ secrets », sur lequel nous trouvons cinq morceaux (3 en anglais, 2 en français), Que signifie pour vous cet EP et comme pourriez vous le décrire ?

Cet EP est un peu la concrétisation de nos deux années de travail. C’est un objet qui n’est pas parfait du tout, fait maison etc., mais qui nous correspond, qui nous ressemble, et qui symbolise l’étape à laquelle nous en sommes aujourd’hui, dans notre état de petit groupe qui saisit sa chance. Nous avons enregistré 5 chansons, qui nous paraissaient faisables en home studio, et représentatives de notre univers. Ces 5 chansons sont assez différentes les unes des autres, mais ensemble elles donnent un aperçu du tout qu’est Nazca, même si elles donnent une image un peu édulcorée, et qu’en live Nazca a aussi un côté très organique, brut, presque tribal.

Nazca: Cowboys Secrets

Comment faites-vous pour écrire vos chansons? Quel son vos sources d’inspiration ? Quelle a été la participation de chacun des membres du groupe? Pouvez-vous nous dire s’il y a eu des collaborations et si oui avec qui avez-vous travaillé ?

Pour nos chansons, nous n’avons pas vraiment de schéma. Souvent, c’est Marc le guitariste qui propose un contenu sonore, avec des accords et une mélodie, puis ensuite Juliette travaille le texte après qu’on ait ensemble décidé la thématique qui nous vient spontanément en écoutant la musique. Le texte est proposé, chacun donne son avis et met sa petite touche. Puis tout le monde bosse les arrangements dans son domaine, Navid travaille le côté perçu avec Marc, Zoé les deuxièmes voix avec Juliette, mais tout le monde donne son avis sur tout, on essaye vraiment de construire en groupe. Mais il arrive que ce soit Juliette qui propose une base musicale, ou Zoé qui propose un texte, nos rôles ne sont pas prédéfinis, c’est surtout une question d’idée et d’envie. Si Navid a une mélodie en tête, il enregistre chez lui et nous la soumet à la répétition de la semaine suivante, et on voit ce qu’on peut faire avec. Souvent Navid nous apporte le côté théorique de la musique puisqu'il l’étudie, quand par exemple on est un peu coincés sur une chanson, qu’on n’arrive pas à trouver la suite etc.

Dans votre chanson «Sa(ha)ra » vous parlez de l’Afrique, pas tout à fait comme René Caillié dans son livre « Voyage à Tombouctou », alors que Nazca se trouve en Amérique, donc est-ce qu’n jour vous écrirez une chanson sur  la civilisation Nazca ou Inca, et même aller là-bas pour donner des concerts ?

Ecrire une chanson sur l’Amérique latine ou ses civilisations ancestrales, pourquoi pas, mais il faudrait alors approcher de plus près ce domaine que nous ne maîtrisons pas du tout. Donner des concerts à l’étranger, on en rêve ! alors là-bas pourquoi pas, si ça se trouve on découvrirait plein de choses qui correspondent à notre entité de groupe sans le savoir (rire).

Nazca - Sa(ha)ra

Dès la formation du groupe (janvier 2011) jusqu’à mi 21013, vous avez donné plus de 76 concerts dans différentes villes en France.  Comment avez-vous ressenti la réaction du public?

Le public n’est jamais le même. On le sent parfois très emballé, et parfois très peu réceptif, ça arrive. Ça dépend du contexte dans lequel on joue, de notre énergie ce jour-là, et puis plein d’éléments imperceptibles et pourtant bien présents, qui influent sur l’atmosphère du moment, et qui font que la magie opère, ou non. En générale, quand on joue en acoustique dans des petits lieux, c’est là qu’on est le mieux ; le public est hyper attentif et nous sommes hyper à l’aise, donc il se passe plein de choses, c’est dans ce genre de concert que nous avons les meilleurs retours du public.

Et en 2014, vous êtes toujours à la conquête d’un nouveau public. Le 23 mai dernier au Festival Changez d’air, vous avez fait la 1ère partie de « Cats on Trees ». Qu’est-ce que cela change pour vous quand vous jouez dans une salle de concert par rapport à ciel ouvert ? C’est facile de maîtriser pour vous la partie technique/logistique, c’est-à-dire le son, lumière, etc. ? 

Quand on joue à l’intérieur, c’est plus « facile » quelque part, il y a moins d’éléments qui gravitent autour de la scène et nous déconcentrent, moins des micros événements perturbateurs. Quand le public est à l’extérieur, il se sent plus à l’aise, il discute plus facilement avec son voisin, ça donne un côté plus détendu, mais aussi un public moins attentif. Mais ça se passe parfois très bien, comme lorsqu’on a joué aux francos-gourmandes ou à la fête de la musique à chalon sur saône l’an passé. Il n’y a pas de règles en réalité. La partie son et lumière est difficile à gérer pour nous car nous n’avons pas nos propres techniciens, et nous n’y connaissons pas grand-chose ; nous avons fait deux résidences en septembre pour se familiariser avec ce domaine, et nous avons eu droit aux deux ingénieurs sons les plus gentils de la planète, Yann du Kraspek et Ludo de Léo Ferré, qui nous ont apporté plein de choses. On a failli les demander en mariage !

Vous avez déjà une programmation pour tout cet été, c’est formidable pour un groupe aussi jeune dans l’univers artistique-culturel français. Vous êtes donc très sollicité. Comment vous-avez fait ?

La programmation, c’est une chance pour nous, elle nous tombe du ciel. Nous faisons très peu de démarche de booking, les dates viennent progressivement selon les rencontres qu’on fait, les tremplins, les autres groupes qu’on découvre etc.

Le 28 juin prochain, le groupe Indochine mettra fin à son  « Black City Tour 3 » au Stade de France, pendant que Nazca sera le seul groupe à faire un vrai pop-folk au Châteauneuf – Festival, ça donne l’envie de vous voir dans un milieu aussi différent (hip-pop, reggae acoustic, electroswing). Si vous recevez une invitation de Nicola Sirkis pour jouer la 1ère partie du concert d’Indochine, vous acceptez ou refusez ? et pourquoi ? 

Cette question est drôle car samedi 21 juin nous avons joué avec le groupe Toybloid [groupe, dont la chanteuse Loue est la fille de Stéphane Sirkis le frère de Nicola Sirkis, leader et fondateur du groupe Indochine, ndlr] qui fait justement les premières parties d’Indochine, on les félicite au passage car ils ont remporté le tremplin du chien à plumes. A priori si Nicolas Sirkis nous propose une première partie nous ne refuserons pas, c’est une opportunité de fou, mais nous doutons beaucoup qu’il nous le propose, ça ne serait pas du tout cohérent en termes d’univers.  Par contre faire la première partie de Cats on Trees c’était top, leur public est typiquement le genre de public qui peut apprécier notre musique, même si nos univers sont un peu différents, on reste dans la même lignée.

Parlons maintenant de l’avenir de Nazca. Est-ce-que vous envisagez de produire un album ? 

Il st encore trop tôt pour faire un album. Nous avons besoin de mûrir, de composer beaucoup, d’essayer plein de choses, de se perfectionner. Peut être que nous ferons un autre EP d’ici l’année prochaine, mais rien n’est sûr. Ce sont des projets qui demandent beaucoup de réflexion, de décisions importantes, et de patience surtout.

Votre musique est, pour moi, très particulière, originale. Allez-vous continuer à faire une musique toujours aussi « calme », « douce », « mélodique » et à la fois «énergisante » ? 

Oui ça serait chouette de garder ce côté mélodique, doux et énergique à la fois. Mais on ne veut pas se fermer de portes, et nous ne voulons pas limiter nos explorations musicales. Nous nous laissons guider par nos sensibilités, nos intuitions, et jusqu'à présent elles nous ont poussés dans ces pans d’énergie délicate, mais qui sait, peut-être que nous virerons punk un jour si le cœur nous en dit sans rire. C’est difficile de se renouveler, de surprendre, en gardant une certaine cohérence, et sans décevoir. Je pense que notre appréhension de la musique conservera ce goût pour les mélodies, les harmonies, tout en gardant quelque chose d’organique et d’énergique, mais il faut savoir évoluer aussi. L’avenir nous dira où et comment.

Finalement, quels projets de Nazca verront le jour dans les mois à venir ?

Nous avons en projet des clips pour préparer la sortie de nouveaux titres que nous avons enregistré au Studio Mikrokosm à Villeurbanne. Mais rien est fait, et le travail risque d’être de longue haleine. Nous devrons nous montrer patients, et vous aussi.

Sites et réseaux du groupe Nazca :

Web site : http://musicnazca.com/
Facebook : http://www.facebook.com/musicnazca
Twitter : https://twitter.com/Nazcaofficial

Propos recueillis par © Vladimir SØREN

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Memoria: entre nostalgia y esperanza

"La nostalgia es uno de los sentimientos más metafísicos", es decir una intención de regresar al pasado. "La nostalgia es la toma de consciencia de nuestro estatus de hombre" nos dice el filosofo Patrick Danrey.

Tintin: "¡Cuanta nostalgia, en esta música!"

La metafísica en las letras de Memoria

El conductor de un programa matinal hace la presentación de una nueva canción, mientras en el fondo se oye la introducción de dicha canción y de pronto, me llama la atención las letras. La escuche e inmediatamente me hizo reflexionar las letras.

Se trata de Memoria (video amateur en la parte inferior), el nuevo single del grupo Indochina, quien hace 24 años estuvo por América del Sur (específicamente en Perú).

Vladimir Jankélévitch, quien sentía de no tener, ni lectores, ni críticas, de ser mal comprendidas, abandonado, pasado de moda. Nadie se imaginaba de la profunda reflexión en su obra "L'Irréversible et la nostalgie" (literalmente "Lo irreversible y la nostalgia"). Este artículo publicado en 1995 lo describe "como una maravillosa crónica de una vida marcada por la urgencia de escribir y de pensar sólo, dedicado a filosofar sobre las virtudes, el perdón, el tiempo, la muerte, a hablar, como una metafísica, de la música impresionista francesa, ésta correspondencia [una correspondencia que apareció 10 años después de su muerte del filósofo, ndlr] atraviesa el siglo y lo ilumina".

En su libro L'rréversible et la nostalgie, Vladimir dice : "Frente a la imposibilidad de un volver del devenir, frente la decepción del regreso al paso familiar, frente la quiebra de nuestros esfuerzos para obtener que la coincidencia del punto de partida y del punto de llegada sea también la repetición de nuestra antigua vida, frente al fracaso de todo rejuvenecimiento y el quimerismo de toda inocencia, el hombre, desesperanzador de los milagros se echa a cantar. ¿En la música y en la poesía el hombre no encontró su lenguaje?" [1].

Definitivamente claro que sí, el hombre canta a la naturaleza, canta al amor, canta a su medio, a su identidad. No solo eso, sino también escribe, reflexiona, crea, etc. Entre éxitos y fracasos, entre errores y aciertos, entre alegría y tristeza en la vida del hombre; el acompañante en cualquier circunstancia es la música. Por ejemplo si nos ponemos a escuchar con atención las melodías producidos por las Flautas, las Quenas, los Pututos,las Zampoñas, etc.; junto a las composiciones y letras de los artistas de los Andes y de la Amazonía;  es una verdadera exquisitez para uno, es único y una de las mejores melodías de la grandes civilizaciones como fue la Inca y aquellas antes que ocuparon el continente americano. Estas prácticas musicales o melodías son memorias vivas que tienen un pasado, un presente y un futuro. En otra oportunidad escribiré sobre la música de los Andes con mayor detalle. Bajo este aspecto, a pesar de sentir una nostalgia, existe une esperanza aún de poder concretar los deseos de uno. Así parece enmarcarse las letras de Memoria. Es la señal clara de una añoranza de lo que fue o pudo ser y lo que podría ser.

Vladimir Jankélévitch decía: "Escribo para el siglo XXI, siglo que discutirán mis ideas con pasión, contrariamente al siglo XX". Esto es completamente cierto. Las pruebas objetivas existen muchos. Si la gran mayoría no entiende en el presente a los que escriben o crean algo, es simplemente porque estos últimos tienen hay un grado de genialidad, que recién sera explotado unas décadas después. Las letras de Memoria son sublimes con contendió metafísico, pero aún es ignorado por la mayoría.

En el programa Philosophie de Arte tv, conducido por Raphaël Enthoven hace algunos meses justamente trató con Patrick Dandrey sobre la nostalgia. En dicho programa Dandrey remarca el propósito de Emmanuel Kann : "…Cuando el mundo ha cambiado, no es verdaderamente un sufrimiento de que el mundo ha cambiado, sino ese cambio no hace más que reflejar y repercutir en que nosotros hemos cambiado, que hemos envejecidos y que no somos más lo mismo".

Para Patrick Dandrey, la nostalgia que claramente está plasmada en las letras de Memoria, afirma que “la nostalgia es uno de los sentimientos más metafísicos”, es decir una intención de regresar al pasado. "La nostalgia es la toma de consciencia de nuestro estatus de hombre", adiciona el filosofo.

La nostalgia, cubre un universo entre el espacio y el tiempo, en el sentido filosófico, dejando de lado la definición etimológica del siglo XIX, como una patología o enfermedad que por cierto las puede haber. La nostalgia, mientras somos conscientes de nuestra calidad de humano, nos concierne a todos, por lo que podemos decir que la nostalgia es inherente al ser humano.

En las letras de Memoria, Nicola Sirkis se encuentra entre la nostalgia y la esperanza. "Lo peor está en el pasado, regresaré renovado, como un enamorado a tus pies. Algún día estaré de regreso cerca de ti, Algún día haré todo para estar contigo. Saldremos, resistiremos y envejeceremos. Algún día haré todo en nuestra memoria (recuerdo)", es parte del texto musical.

Para la alegría de muchos, el grupo esta de regreso, algunos recordaran con nostalgia, otros no pierden la esperanza de volverlos a verlos en sus conciertos.

Video amateur de Memoria.
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Referencia:[1]L’irréversible et la nostalgie, Vladimir Jankélévitch, Flammarion, Éditeur, 1974. p. 304.

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